Civilcinema

Este dueto de películas puede ser interpretada como la historia de iniciación de una dupla formada por un investigador al servicio del gobierno (cualquiera) y un "ángel de la guardia" que le acompaña y complementa desde el limbo ciberespacial. Sin embargo, esta dupla se formó al fragor de la duda filosófica sobre lo humano, la incertidumbre existencial sobre la percepción y la memoria, y cierta certeza ética que funciona como ancla de identificación para el espectador (al menos el más joven). Eslabón evidente entre Blade Runner y Matrix, la primera GotS es una obra maestra sucinta y concentrada, mientras que su continuación es un estupendo y colorido noir. De esto y más hablamos en el podcast.

Este cineasta debe ser uno de los más talentosos y consistentes del cine actual, uno que periódicamente usa este medio para llegar donde otras películas no llegan, o mostrar aquello que otras formas de arte solo pueden vislumbrar. En su última obra, la estructura de Pigmalion y la pista falsa de Rebecca (Hitchcock, 1940), preparan y despistan para orquestar un inesperado e inédito romance, a la vez genuino en el afecto y fríamente manipulador de las menguantes energías de la vejez. Obra maestra.

Afortunadamente no mufamos a Sebastián Lelio, y Una mujer fantástica le dio al país su primer Oscar a mejor película en idioma no inglés, y a la vez reinstaló la premura por legislar sobre identidad de género. Logros importantísimos, sin duda, que si bien trascienden los logros inherentemente artísticos de la cinta, no los opacan en absoluto. Eso sí, la cinta sí se ve un poco desmejorada ante su predecesora, Gloria, y en el podcast hablamos por qué.

En sus cinco películas, el portugués Joao Pedro Rodrigues se centra en el tópico del deseo de ser otro, pero con personajes radicalmente variados: desde un marginal semianimalesco, pasando por una mujer enloquecida, un travesti que no se atreve a convertirse en mujer, hasta el mismísimo San Antonio de Padua al seguir la senda de San Francisco de Asís. La homosexualidad está siempre presente, pero no necesariamente como tema sino como una mirada y como supuesto, sobre el que se construye una puesta en cuestión de los límites de la mutabilidad humana. De eso y más hablamos en el podcast.

Cuando le confías el timón de un barco a un loco, lo más probable es que la nave encalle o se hunda. Cuando uno está fuera del barco, el espectáculo puede ser conmovedor, sublime o también muy divertido si las maniobras del capitán exhiben una torpeza inhabitual para esos menesteres. Eso es lo que ocurre con The Room, importante pedazo de porquería que se sumerge en los clichés del softcore, para arrancar de las estructuras y normas (del género, del cine y de la narrativa en general) de formas tan graciosas como inesperadas. Franco homenajea a The Room, identificándose con el perfil errático de Wiseau y con las grandes historias de amor y lealtad que han sido sepultadas bajo las olas.

¿Cuál es la regla del juego, la norma única –según el título en francés– cuya transgresión lo puede subvertir todo y debe ser pagada con sangre? ¿Será la manifestación desembozada de los propios sentimientos? ¿El olvido momentáneo del propio lugar en una jerarquía rígida y a la vez tambaleante? ¿El salirse del libreto de la interminable representación que es la vida de corte (con o sin rey)? Esta cinta manifiesta su deuda con el pasado y esconde (o no parece consciente de) su proyección hacia el futuro, pero sigue disfrutándose como una danza coreografiada e interpretada por los mejores.

Con apenas dos películas, este director se ha vuelto un nombre a seguir gracias a la virtud de montarse impecablemente en los códigos de un género (o más de uno), y empujarlo más allá con: chispazos de drama, la detención en el detalle (de carácter o de proceso), y una medida y muy bien situada irrupción de la ultraviolencia. Una ultraviolencia que es el resultado de algo, el choque de algo cuando cae; jamás la trivialización de una mirada muy sombría del mundo. De esto y más hablamos en el podcast.

Con apenas 100 mil dólares, y un rodaje presto y de incógnito, David Lowery lanza al mundo una cinta absolutamente singular, contraintuitiva en casi todas sus decisiones, igualmente asombrosa en su montaje como en su puesta en escena, y todo esto al servicio de las grandes preguntas y las grandes fracturas: vida-muerte; pasado-presente-futuro; urbe-suburbio; cuerpo-espíritu; línea-ciclo. De esto y más hablamos en el podcast.

La década prodigiosa de William Friedkin contiene dos joyas absolutas e indiscutibles de entonces y de hoy (Contacto en Francia y el Exorcista); una joya vapuleada en su época pero que funciona estupendamente (Sorcerer); una película ambiciosa pero fallida (Cruising); una cinta pionera en términos culturales (The Boys in the Band); y otra más pequeña (The Brink's Job), mientras pasaba el chaparrón tras un traspié comercial. De estas películas, y algo más, hablamos en el podcast.

Hay películas cuya realización las convierte en una epopeya que se empieza a parecer al tema que quieren abordar. Ya sea por la ambición artística de sus creadores, por las dificultades enfrentadas y por la urgencia del tema en cuestión, cintas como Napoleón adquieren una vida propia, que trasciende a sus autores y restauradores, prolongándose por décadas y en las que siempre aparece alguien que quiere presentarla con una nueva cara. De eso y más trata este podcast.

Este cineasta está en boca de todo el mundo por haber dirigido SW8: The Last Jedi, con no poca controversia sobre su resultado. Nosotros aprovechamos la contingencia para hablar de su debut, un pequeño clásico de lo que va del siglo; su segunda cinta, un inmerecido desastre comercial; y Looper, la que lo llevó al circuito Blockbuster. Todas se apoyan impenitentemente en el pastiche; todas versan sobre alguien que se niega a ser funcional a una narrativa ajena. De esto (y un poco de SW8) versa este podcast.

La sátira sobre la revolución que fue (o no fue) inauguró la irrupción en la escena mundial de una talentosa generación de cineastas rumanos, quienes a su manera han venido ajustando cuentas a la dictadura comunista, a la revolución que la derribó y a la progresiva inclusión de Rumania en el capitalismo global a través de la Unión Europea. Porumboiu, en particular, parece ser el cineasta de estilo más simple y depurado entre su camada, y sus dos primeras películas están ahí para confirmarlo

Ver estas películas es como ver una cámara oculta de amigos carreteando y pasándola bien, siendo ellos mismos y soltándose de a poco para decir lo que realmente piensan sobre la sociedad en que viven y el entorno en el que trabajan. Cómicas, estilizadas, sofisticadas, sorpresivas y autoconscientes, estas películas son pura gratificación para quienes las hicieron y para quienes las ven una y otra vez.

Durante los 21 años de colaboración artística entre el realizador y su alter ego en pantalla, surgieron seis películas que recorren géneros, registros y hasta países distintos, pero con cierto hilo común asociado a la figura del recientemente fallecido actor: una izquierda que sobrelleva la derrota realizando grandes gestos pequeños, parejas monógamas sin tensión sexual, la preocupación por el legado a la generación siguiente... y Tulsaco, naturalmente. De eso y más hablamos en el podcast.

La única película soviética que ganó el Festival de Cannes es un drama bélico, intenso y conciso, que recorre los lugares emocionales de Lo que el viento se llevó, pero con mucha más determinación y economía. Apoyada por igual en la magnética presencia de su protagonista, y en el asertivo uso de los cortes y de largos y elocuentes travellings, esta cinta surgida con la explosión de creatividad contenida tras la muerte de Stalin, se sigue viendo moderna y pertinente; sigue siendo un modelo del cual aprender.

La única película prohibida durante la Glasnost retrata al agonizante país como un gigantesco sanatorio de almas en pena, deprivadas de toda energía. El más deprivado de todos es Nikolai, un profesor narcoléptico que, entre sueño y sueno, deambula mirando la descomposición irreversible de su país en un páramo donde ningún gesto resuena ni trasciende la esfera de quien lo emite. Párrafo aparte merece el comienzo falso de la cinta, un ejercicio extremo de discontinuidad en un contexto donde todo está fracturado.

Este cineasta ucraniano es uno de los creadores del llamado "estilo trascendental", y sigue siendo una fuente de la que siguen bebiendo los cineastas de hoy. Navegando con cuidado para responder a su doble lealtad como bolchevique y ucraniano en un momento complejo, su cine aparentemente propagandista esconde y convive con nociones más complejas sobre el sentido de la historia, sobre el modo de ser de su país y sobre la humanidad de los enemigos de clase, entre otras cosas, lo que le valió no pocos problemas bajo la administración de Stalin.

Una acción tan afortunada como heroica del joven Alyosha, le valen unos pocos días de franco para ir a ver a su madre y reparar el techo de su casa. Lo que viene es un despliegue de su carácter virtuoso, exhibiendo lo mejor de un niño y lo mejor de un adulto para ayudar a quienes pueda, incluso en desmedro del poco tiempo que tiene para ver a su madre. Pese a glorificar la Gran Guerra Patriótica contra los nazis, la película sobrevuela por las grandezas y no pocas miserias de ese periodo de esfuerzos desesperados y de peligro permanente y extremo.

El cineasta armenio Sergei Parajanov encontró su voz a través de otra voz, aquella con que Andrei Tarkovsky dio vida a La infancia de Iván (1962). A partir de ahí, Parajanov fue un cineasta de culturas nacionales (en un momento en que el concepto podía ser problemático), de historias contadas a través de objetos y posturas, y de una intensidad vital que canalizó de diversas maneras en los cuatro largometrajes que realizó entre 1965 y 1990. Acá abordamos los dos primeros, quedando los restantes como promesa para el futuro.

Empezamos el "octubre rojo", con que conmemoramos el centenario de la Revolución Bolchevique, con El acorazado Potemkin, clásico indiscutible de Eisenstein, pero con el rabillo puesto en Huelga (1925) y Octubre (1928). En esta ocasión hablamos del montaje, de la relación del cineasta con Stalin y del extraña disonancia entre el mito libre del tiempo y del espacio del "acorazado", y del confinamiento de Octubre a una realidad que terminó por sustituir. Entre muchas otras cosas.