Civilcinema

El cineasta austriaco G.W. Pabst saltó del teatro al cine, y lo hizo en Alemania con un cine que pasó por el lado del expresionismo de los años 20, para enfocarse tanto en el realismo crítico como en el drama psicológico. Las dos películas de las que hablamos hoy encarnan esta mixtura, teniendo como punto focal a la actriz Louise Brooks, cuya interpretación desenvuelta, extrema y sumamente versátil para encarnar a dos personajes muy distintos, la convirtió en un icono que proyectó su sombra hasta bien avanzado el siglo 20. De eso y más hablamos en el podcast.

La mirada perdida, aturdida e inocente del protagonista Milos no cuadra con la locución en off con la que este personaje se presenta a él mismo y a la película que protagoniza. Esas líneas mordaces no cuadran con el animalito cuya impavidez natural se ve turbada por las hormonas aceleradas en un contexto bélico y de ocupación nazi, es decir, amoral hasta la médula. Milos se hará hombre y en el proceso se dejará arrastrar por otras fuerzas, como después pasó en mayo del 68 y acá en Latinoamérica. De eso y más hablamos en el podcast.

Aardman se equivoca poco, y cuando lo hace tampoco se nota tanto ni termina de desmerecer obras movidas por la buena intención, la exaltación de la solidaridad y -por sobre todo- del trato digno a los animales. Dotadas de guiones apretados y eficaces (dada la ardua tarea de hacer stop-motion con plasticina), las películas de este estudio británico equilibran las historias directas y reconocibles con la complejidad técnica y un humor esencialmente blanco, pero no carente de mensajes humanitarios y políticos. La cinta con la oveja Shaun tiene mucho de eso pero también se aparta un poco, y de eso y más hablamos en el podcast.

El cineasta ruso Aleksei German pensaba al revés y filmaba al revés. Ignorado, incomprendido y censurado por el Estado soviético, primero, y por el mercado capitalista, después, se atrevió a filmar lo que le dio la gana: películas sin tramas aparentes y con una puesta en escena donde todo se mueve, se mezcla y explota, como en la mirada de un niño asustado ante un caos absoluto. Una historia semiautobiográfica y una cinta de ciencia ficción fueron las últimas obras de este artista único y capaz como pocos de estampar imágenes y sensaciones en la conciencia de un público que ya no necesita entender. De esto y más hablamos en el podcast.

Estas películas supuestamente son las últimas de los colosos de la animación Takahata y Miyazaki, los pilares del estudio Ghibli. Los temas, tramas e imágenes de estas cintas hacen creíble un posible final de sus carreras y de su estudio, pues la muerte y la expectativa de la muerte tienen un rol importante por sí misma como catalizador de un balance acerca de lo obtenido y lo sacrificado en ese lapso indescifrable que se suele conocer como vida. De eso y más hablamos en el podcast.

El manido subgénero de las comedias adolescentes da acá varios giros brillantes que convierten esta película y un ejemplo de las cintas de gratificación: pone el ojo y la mirada en una protagonista disruptiva que destruye un orden social a su pesar; la antagonista es emblemáticamente carismática; la fauna de adultos -que rodea esta historia de un golpe de estado en una escuela secundaria- aporta variedad y diversas dosis de patetismo. Hay más cosas, claro, y prácticamente todas salen de la cabeza de la guionista y actriz Tina Fey. De esto y más hablamos en el podcast.

El "segundo tiempo" de Mad Men se aboca menos a la insatisfacción de Don Draper que a la constatación de su origen: la certeza del personaje de no sentirse amado y de no merecer ser amado. Incólume en esa certeza, Draper es acompañado por sus socios en esa "nave de los locos" que era su agencia boutique, donde todos ellos resuelven sus trayectorias a su manera, pero cambiando. Aunque sea un poco. Don, por su parte, vuelve a nacer (por tercera vez) para seguir siendo el de siempre. De esto, del cambio de década, y de mucho más, hablamos en el podcast. Link de la parte 1: www.soundcloud.com/civilcinema/71-mad-men-2007-matthew-weiner

Este es el primero de nuestros podcast que tiene como invitado al autor de la película por tratar. Con Alberto Fuguet hablamos de Invierno, de sus otras películas, de su documental, de sus libros y de muchas otras películas de las cuales tomó recursos, soluciones, miradas... y algo más. Todo esto compone un mundo creativo y personal, pero que al mismo tiempo es público porque son muchos los que comparten y atesoran esos elementos. De eso y más tratamos -largamente- en este podcast.

La segunda de las tres películas que a la fecha tiene Jeff Nichols, es una fábula de tintes bíblicos que muestra la evolución de la mente de un hombre hacia una vocación profética, tan contagiosa como disolvente. Comparte con las otras cintas el entorno rural donde la naturaleza se entromete siempre, personajes masculinos que no calzan con lo que se espera de ellos, y una ambicioso alcance que contrasta con la aparente modestia de sus medios. De eso y más hablamos en el podcast.

Este es el primer largometraje documental de la dupla compuesta por Carolina Adriazola y José Luis Sepúlveda, tras dos grandes cintas de ficción que se paraban sobre los pies y miraban el mundo con el ojo del documental. Ambas cintas se situaban en la marginalidad o en el trayecto hacia ella, mientras que la cinta que nos ocupa trata de un trayecto hacia el centro: de la ciudad, del país, del poder y de la atención, pero para lograr un fin utópico y con un enorme costo en energía y recursos. Un metáfora transparente del movimiento social del 2011. De eso y más hablamos en el podcast.

Esta es por lejos una de las mejores películas latinoamericanas de la historia. Así nomás. Discípula aventajada del cine del joven Godard, este ejercicio trasplantado sobre un burgués cubano (que es también un europeo trasplantado) se identifica permanentemente como un artificio mientras oscila entre la enajenación absoluta de su protagonista y los trozos de una realidad efervescente que este no es capaz de compartir ni entender. A veces hablando con la distancia de los muertos, esta voz inútilmente lúcida se conoce y reconoce a ella misma mientras va cayendo en la irrelevancia a medida que la situación externa se pone más y más álgida. De eso y más hablamos en el podcast.

Canciones del segundo piso (2000), Ustedes los vivos (2007) y Una paloma se sentó en una rama a reflexionar sobre la existencia (2014), son tres películas que a rato parecen ser una sola que se hizo por entregas. Decimos "parecen" porque en rigor cada una tiene un afán distinto, y un esqueleto de trama propio envuelto en estos gags parecidos a los comerciales con que el realizador, el sueco Roy Andersson, financia su extraña y premiada obra. El pasado nazi, el fin del estado de bienestar y el abandono existencial son algunos de los tópicos de la trilogía y de este podcast.

Arrasó con los Óscar pese a casi no contar con estrellas en el elenco; fue creada a partes iguales por un coreógrafo, un músico, un dramaturgo, un libretista, donde el director de cine del lote (Robert Wise) se dedicó a contener a todos los demás; es un Romeo y Julieta sin adultos, que avanza más en los números musicales que en los diálogos. De estas rarezas y de las razones de por qué es un tesoro del arte estadounidense hablamos en el podcast.

Las tres películas que tratamos en esta ocasión forman parte de un corpus importantísimo en la historia del cine mexicano e hispanoparlante en general. Forjado al alero de los ideales de una revolución que luchaba por mantener su vigencia y su valor, este cine visualmente atractivo, de vocación educadora y popular, proyectó su sombra hacia el sur y también hacia el norte; por ejemplo, exportando a Hollywood a Gabriel Figueroa, uno de los grandes DP de todos los tiempos. De esto y más hablamos en este podcast.

El noble e incomprendido arte de la machaca debe algunas de sus cumbres más excelsas a la imaginación del australiano George Miller, quien se las arregló igual de bien con la pobreza de la industria australiana de los años 80 y con la superabundancia de la producción de Hollywood que acaba de estrenar. En este podcast hablamos de estas dos películas hermanas con 34 años de diferencia, y de los que las une y separa como evidencia de aquello que ha cambiado y de lo que no en el mundo del cine y la cultura en todos estos años.

Esta es una gran película de terror, pero porque el terror no es más que la caja de resonancia de las pasiones, rencores y afectos con que se nutre el melodrama. En este caso, un melodrama basado en la relación entre una madre y un hijo unidos y separados a la vez por una tragedia fundacional que tiene muchas formas de hacer notar su presencia: una casa avejentada y convertida en un museo, un cumpleaños que no se celebra como corresponde y finalmente una extraña sombra de capa negra. El Babadook es eso y más, y en la película vemos las formas que toma y los cuerpos termina invadiendo. De esto y más hablamos en el podcast.

Claude Chabrol filmó mucho. Cosas muy buenas, otras buenas, unas cuantas más o menos, y algunas de mitad de tabla para abajo. En general se movió con coordenadas reconocibles como la admiración por Balzac, la fijación en la vida de provincia, el interés por cierta forma de demencia que se vuelca a la brutalidad primigenia y un colorido característico en su puesta en escena. Entre lo mejor que filmó, está El carnicero, historia de amor revestida de thriller, cuyos márgenes son mucho más amplios que los del pequeño pueblo en que transcurre. De eso y más hablamos en el podcast.

Hirokazu Koreeda es uno de los realizadores japoneses contemporáneos más regulares y merecedores de seguimiento. Su cine sostiene sus tiempos lentos y sus dramas calladamente intensos sobre los gigantescos hombros de Ozu, pero no teme -de cuando en cuando- situar sus historias en extremos sobrenaturales (After Life) o en premisas aparentemente absurdas (Air Doll) para referirse al intento humano -y particularmente adulto- de situarse en la vida de una manera que lo satisfaga o lo realice. No hay nada de sobrenatural y absurdo en De tal padre, tal hijo, sino todo lo contrario. De esto y más hablamos en el podcast.

Los hermanos Maysles mostraron muchas cosas, a veces volviéndose invisibles para las personas retratadas, a veces convirtiéndose en el público que sus sujetos necesitaban para expresarse. De una u otra manera, el resultados son obras expresivas, algo trabajosas y con un nivel de exposición de las personas que llega a parecer inverosímil, algo que ni siquiera un buen guión de ficción se atrevería a mostrar. Más allá de eso, los Maysles siempre intentaron -y casi siempre pudieron- retratar personas moviéndose en un mundo que ellas mismas crearon, aunque no siempre estén cómodas en él. De eso y más hablamos en el podcast.

Podríamos decir que esta película tiene dos mitades. La primera combina la personalización del gusto y del estilo de vida que se dieron en los años 80, junto con una atmósfera social y de consumo con ecos de Douglas Sirk en los que la protagonista, Carol White, nunca se siente demasiado cómoda. La segunda mitad es la consecuencia del propio solipsismo de la protagonista, un viaje con destino incierto que toma ribetes de cinta de terror. De eso y más hablamos en el podcast.